如果沒有電影，一座城市，對於那些沒有去過的人來說，只是地圖上一個抽象的名字，或者腦海中一團遙不可及的迷霧。電影，能夠將城市幻化為「印象」，恰如印象派繪畫中的那些捉摸不定的色彩，沒有具體的形狀，卻又能讓你真實的感覺到。

柏林，這座兼具普魯士風格古建築和現代化商業大樓的城市，與電影的關係不只柏林影展和柏林學派， 它還是華特魯特曼（Wa lte r Ru ttmann）用光影譜寫的一首現代樂章、文溫德斯（Wim We nders）電影中的天使之城、湯姆提克威（To m Tyk we r）賦予蘿拉的機遇之城；它甚至還是異國藝術家靈感的寄託之地——約翰勒卡雷（John le Carré）筆下間諜們試圖穿越的那堵冰冷的牆、韓國導演柳承莞影片中「南北韓問題」的博弈之地⋯⋯

《城市交響樂》Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt

年代：1927/德國

導演：華特魯特曼（Walter Ruttmann）

　　這是一部記錄電影，時空背景是1927年柏林的平凡一天。一輛火車飛逝，開往柏林。清晨的柏林一片寧靜祥和，空曠的街道上連人的蹤跡都沒有。慢慢的，環境開始發生變化，雲開始動起來，紙片飛舞起來，街上開始出現溜達的人。一個，兩個，三個，越來越多，窗戶漸漸都打開來，人們開始從門裡走出來。學生排著隊伍走在上學的路上，士兵們在巡邏，工廠的機器被發動起來，日常化的一天開始了。

　　柏林是歐洲現代化進程的橋頭堡。現代化以科學、理性為引擎，推動社會快速發展，汽車、火車、電話、流水線作業以及隨之而來的對速度的追求，是其重要標誌。1927年華特魯特曼拍攝的紀錄片《城市交響樂》無疑是對柏林這座城市現代化的禮讚。影片開頭的那段水波拍攝得頗有意味，有著雙重含義：風平浪靜是舊時代的象徵，被其後飛馳而來的火車打破，同時，水波有規律的波紋所造成的抽象性又是現代藝術的特徵，這種抽象性被隨之而來的由光影造成的真正的抽象圖案加強，這種圖案具有明顯的包豪斯藝術的特徵。它預示著柏林已經走出了百年不變的傳統封建社會時期，進入了飛躍發展的資本主義社會。因此，開頭的這段水波是《城市交響樂》的樂隊指揮，是其樂曲的動機，是它影像的主旋律。其後的每個篇章都圍繞著這個動機展開，在不同的聲部上重複著這個主旋律。整齊劃一的現代建築、咆哮前進的火車、如五線譜般的電線，縱橫交錯的電車車纜，工廠裡分毫不差的自動化車床，車站上行色匆匆的上班族⋯⋯譜寫了一曲柏林的現代化樂章。清晨街道上偶有悠閒的行人躑躅，也只不過是這樂章上的一段小插曲而已，業已擋不住呼嘯而來的現代化樂章⋯⋯在拍攝手法方面，影片比較獨特的是使用了超高感光度的底片，這使得大量的夜景也能夠被拍攝下來。

　　從這部記錄電影中，我們也可以看出，相較於巴黎和倫敦，那時候的柏林要顯得更加現代化一些。這裡面除了維爾托夫宣言、未來主義宣言、第七藝術宣言之外，還意外的存在一種將現代性作為集權主義溫床的內在恐懼心理。

　　除此之外，影片的剪輯對整體結構的推進力也非常重要。比如人和動物被放置在一起的鏡頭就非常震撼，我們先是看到第一樂章裡面，工人下火車走過大橋與被趕往屠宰場的乳牛的鏡頭並置在一起。接著又是電話接線員打電話，下一個鏡頭便是街頭兩隻互相扭打的狗。在第三個樂章中，我們還可以看到獅子與大象被餵食，接著就是資產階級享用午餐。這種方法給人一種強烈的馬克思主義觀點，人在大都會中的存在彷彿已經被異化，變成純生物的機械化運動。

　　影片還有一些反差極為強烈的組接鏡頭。比如在運河上，先是拍攝資產階級男女談笑的場景，接著的鏡頭便是船伕艱難的撐船場景，不成比例的貨船將他的身影反襯的格外渺小。

　　總的來說，這部紀錄片用高超的手法記錄下了歐洲現代都市柏林的影像，它充滿了複雜迷離的動態情緒。這部紀錄片作為記錄城市景觀也具有非凡的價值。影片拍攝之時，納粹還沒有在德國得勢，德國的藝術家、知識份子還能夠表達個人的意志。二戰結束後，柏林中心城區超過30％的建築永久性的被毀滅了。像是著名的安哈特火車站（Anhalter Bahnhof）、著名的佳益酒店（ExcelsiorHotel），在戰爭中都被毀滅，如今我們只能透過影像才能見證這些歷史遺物曾經的存在。魯特曼後來回憶說，拍攝這部紀錄片是他對影像的某種思考，在受到蘇聯蒙太奇理論與實踐的雙重啟發後，他想創造一部充滿現代感的紀錄片，而柏林正是最合適的。